Il cinema francese ha attraversato stagioni molto diverse. Il realismo poetico degli anni Trenta e Quaranta, la Nouvelle Vague, il polar, la commedia popolare e il nuovo cinema sociale hanno prodotto film diversissimi tra loro, ma spesso accomunati dalla volontà di osservare personaggi e società con uno sguardo personale.
Per questo motivo abbiamo volutamente evitato di concentrare la selezione su un unico periodo storico. Accanto ai capolavori che hanno cambiato il linguaggio cinematografico trovano spazio film più recenti che hanno conquistato milioni di spettatori, opere sperimentali e film capaci di parlare a un pubblico molto più ampio.
Ne nasce un viaggio che attraversa quasi un secolo di cinema: dalla poesia di Jean Vigo e dall’umanesimo di Jean Renoir fino alla Nouvelle Vague, passando per il cinema della memoria di Alain Resnais e Louis Malle, per arrivare alle forme più originali e provocatorie del cinema francese contemporaneo.
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1. L’Atalante (1934)
Regia: Jean Vigo
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 89 minuti
Jean e Juliette sono appena sposati. Dopo il matrimonio, la giovane lascia il proprio villaggio per seguire il marito a bordo dell’Atalante, la chiatta sulla quale Jean vive e lavora navigando lungo i canali francesi.
Con loro viaggiano il vecchio e imprevedibile Père Jules e un giovane mozzo.
All’inizio Juliette osserva con curiosità la sua nuova vita, ma presto la monotonia del viaggio e l’isolamento cominciano a pesarle. La giovane sogna Parigi, i negozi, le luci e la vita della grande città. Quando finalmente l’Atalante raggiunge la capitale, il desiderio di scoprirla provoca una separazione tra i due sposi.
Jean Vigo morì a soli 29 anni e riuscì a realizzare un numero piccolissimo di opere. Eppure la sua influenza sulla storia del cinema è enorme.
L’Atalante è una storia d’amore apparentemente semplice che continuamente si trasforma in qualcosa di più misterioso. Il realismo della vita quotidiana sulla chiatta convive con immagini poetiche e quasi oniriche.
Celebre è la sequenza nella quale Jean, separato da Juliette, si immerge nell’acqua cercando di vedere l’immagine della donna amata.
Il personaggio di Père Jules, interpretato da Michel Simon, contribuisce alla straordinaria vitalità del film: la sua cabina è un universo caotico pieno di oggetti raccolti durante una vita di viaggi.
Perché vederlo: perché è una delle storie d’amore più poetiche della storia del cinema e dimostra quanto grande avrebbe potuto essere l’opera di Jean Vigo se la sua vita non fosse stata così breve.
2. La grande illusione (1937)
Titolo originale: La Grande Illusion
Regia: Jean Renoir
Genere: drammatico, guerra
Durata: circa 113 minuti
Durante la Prima guerra mondiale, due aviatori francesi, il capitano de Boëldieu e il tenente Maréchal, vengono abbattuti e fatti prigionieri dai tedeschi.
I due uomini provengono da mondi completamente diversi. De Boëldieu è un aristocratico raffinato, mentre Maréchal è un meccanico di origine popolare.
Durante la prigionia incontrano altri soldati e organizzano tentativi di fuga, mentre la guerra continua al di fuori dei campi di prigionia.
Jean Renoir realizza un film di guerra nel quale le battaglie sono quasi completamente assenti.
La vera questione al centro della storia è la divisione tra gli esseri umani. Renoir osserva le differenze tra nazionalità, ma anche quelle tra classi sociali, suggerendo che un aristocratico francese e un ufficiale tedesco possano avere culturalmente molto più in comune di quanto entrambi abbiano con i soldati del proprio Paese.
Il rapporto tra de Boëldieu e l’ufficiale tedesco von Rauffenstein è uno degli elementi più affascinanti del film. I due appartengono a nazioni nemiche, ma condividono la consapevolezza di appartenere a un mondo aristocratico che la guerra sta facendo scomparire.
Il titolo allude a diverse illusioni: quella che una guerra possa essere l’ultima, quella che i confini dividano realmente gli uomini e forse anche quella che le vecchie gerarchie sociali possano sopravvivere alla trasformazione del Novecento.
Perché vederlo: perché è uno dei più grandi film pacifisti mai realizzati e racconta la guerra senza bisogno di mostrarne continuamente le battaglie.
3. La regola del gioco (1939)
Titolo originale: La Règle du jeu
Regia: Jean Renoir
Genere: commedia drammatica, satira sociale
Durata: circa 106 minuti
Un gruppo di aristocratici e borghesi si riunisce in una grande villa di campagna per una battuta di caccia. Tra matrimoni, amanti, gelosie e relazioni nascoste, il fine settimana si trasforma progressivamente in un complicato gioco di apparenze.
Jean Renoir osserva una società nella quale tutti conoscono le regole del comportamento sociale, ma quasi nessuno sembra possedere autentici valori.
Il film alterna commedia e tragedia con una libertà sorprendente e costruisce un mondo nel quale padroni e servitori sembrano specchiarsi gli uni negli altri.
Alla sua uscita il film ebbe una storia travagliata, ma nel corso dei decenni è diventato uno dei titoli fondamentali della storia del cinema.
La grande battuta di caccia rappresenta uno dei momenti più celebri e inquietanti dell’opera di Renoir. Dietro l’eleganza dei personaggi e la leggerezza delle conversazioni si percepisce un mondo che sta inconsapevolmente avvicinandosi alla catastrofe.
Perché vederlo: perché è una delle più intelligenti rappresentazioni cinematografiche dell’ipocrisia sociale e un film che ha influenzato generazioni di registi.
4. Les Enfants du Paradis – Amanti perduti (1945)
Titolo originale: Les Enfants du Paradis
Regia: Marcel Carné
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 190 minuti
Nella Parigi teatrale dell’Ottocento, la bellissima Garance diventa il centro delle vite di quattro uomini profondamente diversi: un mimo, un attore, un criminale e un aristocratico.
Ognuno la ama a modo proprio e ciascuno proietta su di lei desideri, speranze e illusioni.
Scritto da Jacques Prévert e diretto da Marcel Carné, Les Enfants du Paradis è uno dei grandi monumenti del cinema francese. Fu realizzato durante gli anni della Seconda guerra mondiale e dell’occupazione, in condizioni produttive estremamente complesse.
Nonostante la durata considerevole, il film conserva una straordinaria vitalità. Teatro e vita reale si confondono continuamente, mentre i personaggi sembrano recitare sul palcoscenico anche quando cercano disperatamente di essere sinceri.
Al centro della storia rimane Garance, una donna amata da tutti ma che nessuno riesce veramente a possedere.
Perché vederlo: perché è un grande romanzo trasformato in immagini, un’opera monumentale sull’amore, il desiderio e l’impossibilità di possedere veramente un’altra persona.
5.La bella e la bestia (1946)
Titolo originale: La Belle et la Bête
Regia: Jean Cocteau
Genere: fantastico, sentimentale, fiaba
Durata: circa 96 minuti
Bella vive con il padre, un mercante caduto in disgrazia, e con i fratelli. Quando l’uomo, durante un viaggio, si perde e trova rifugio in un misterioso castello, coglie una rosa dal giardino per portarla alla figlia.
Il gesto provoca l’ira del padrone del castello: una creatura mostruosa conosciuta come la Bestia. Per avere salva la vita, il mercante dovrà morire oppure una delle sue figlie dovrà prendere volontariamente il suo posto.
Bella decide di sacrificarsi per il padre e raggiunge il castello. Qui scopre progressivamente che dietro l’aspetto terrificante della Bestia si nasconde un essere molto diverso dal mostro che aveva immaginato.
Jean Cocteau trasforma la celebre fiaba in uno dei film fantastici più affascinanti della storia del cinema. Il suo castello sembra esistere fuori dal tempo: candelabri sorretti da braccia umane emergono dalle pareti, statue osservano silenziosamente i personaggi, porte e specchi diventano passaggi verso altri mondi.
Gran parte della magia nasce da effetti realizzati direttamente sul set, giochi di luce, ralenti, movimenti invertiti e semplici trucchi cinematografici. Proprio questa artigianalità rende ancora oggi il film sorprendentemente suggestivo.
Jean Marais interpreta la Bestia senza ridurla a una semplice creatura mostruosa. Il personaggio è contemporaneamente terrificante, vulnerabile e malinconico, mentre Josette Day costruisce una Bella meno passiva di quanto ci si potrebbe aspettare da una fiaba tradizionale.
La storia diventa così una riflessione sull’apparenza, sul desiderio e sulla capacità dell’amore di trasformare il nostro modo di guardare un’altra persona.
Perché vederlo: perché è uno dei grandi capolavori del cinema fantastico europeo e dimostra come, molto prima degli effetti digitali, l’immaginazione potesse trasformare un castello, alcuni specchi e pochi trucchi artigianali in un autentico mondo da fiaba.
6. Hiroshima mon amour (1959)
Regia: Alain Resnais
Sceneggiatura: Marguerite Duras
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 90 minuti
Un’attrice francese si trova a Hiroshima per girare un film sulla pace. Durante il soggiorno incontra un architetto giapponese e tra i due nasce una breve e intensa relazione.
Potrebbe sembrare la storia di un amore destinato a durare soltanto pochi giorni, ma Alain Resnais e Marguerite Duras costruiscono qualcosa di molto più complesso.
Il presente di Hiroshima riporta progressivamente la protagonista al proprio passato. Durante la guerra, ancora giovanissima, aveva amato un soldato tedesco nella città francese di Nevers. Quell’amore e la tragedia che ne era seguita erano diventati una ferita che aveva cercato di dimenticare.
Hiroshima mon amour è un film sulla memoria e sull’impossibilità di conservare integralmente il passato.
Le immagini della città distrutta, i corpi degli amanti e i ricordi di Nevers si sovrappongono in una struttura narrativa che nel 1959 apparve radicalmente nuova.
Il film pone una domanda dolorosa: che cosa significa ricordare una tragedia che non abbiamo vissuto personalmente? E quanto dei nostri ricordi più importanti è destinato inevitabilmente a scomparire?
Perché vederlo: perché ha cambiato il modo di rappresentare la memoria al cinema e rimane una delle più intense riflessioni sul rapporto tra amore, trauma e oblio.
7. I 400 colpi (1959)
Titolo originale: Les Quatre Cents Coups
Regia: François Truffaut
Genere: drammatico, formazione
Durata: circa 99 minuti
Antoine Doinel è un adolescente che vive a Parigi e sembra essere costantemente in conflitto con il mondo degli adulti. A scuola viene punito e considerato un ragazzo problematico; a casa trova genitori incapaci di comprenderlo davvero.
Le sue piccole bugie, le fughe da scuola e i tentativi di ribellione lo conducono progressivamente verso conseguenze sempre più serie.
Con il suo primo lungometraggio François Truffaut trasformò in cinema molti elementi della propria infanzia. Il risultato è un film sulla solitudine di un ragazzo che non viene ascoltato e che cerca nella libertà una via di fuga da una realtà nella quale non riesce a trovare il proprio posto.
La forza de I 400 colpi è la sua apparente semplicità. Il film non cerca facili colpevoli: osserva Antoine, lo accompagna per le strade di Parigi e permette allo spettatore di comprendere progressivamente il suo bisogno di libertà.
Perché vederlo: perché è uno dei film simbolo della Nouvelle Vague e uno dei più grandi racconti cinematografici sull’adolescenza.
8. Fino all’ultimo respiro (1960)
Titolo originale: À bout de souffle
Regia: Jean-Luc Godard
Genere: drammatico, noir
Durata: circa 90 minuti
Michel Poiccard è un giovane criminale che, dopo aver ucciso un poliziotto, torna a Parigi. Qui incontra Patricia, una studentessa americana che vende giornali sugli Champs-Élysées e con la quale ha una relazione irregolare e difficile da definire.
La trama è quella di un noir, ma Jean-Luc Godard utilizza la storia per distruggere molte delle regole del cinema classico.
La macchina da presa segue i personaggi per strada, il montaggio procede attraverso improvvise fratture e i protagonisti parlano, fumano, si contraddicono e sembrano vivere senza conoscere realmente la direzione delle proprie esistenze.
Jean-Paul Belmondo diventa l’icona di una nuova figura di antieroe: affascinante, irresponsabile e tragicamente convinto di poter trasformare la propria vita in un film.
Perché vederlo: perché esistono film belli ed esistono film dopo i quali il cinema non è più stato esattamente lo stesso. Questo appartiene alla seconda categoria.
9. Jules e Jim (1962)
Titolo originale: Jules et Jim
Regia: François Truffaut
Genere: sentimentale, drammatico
Durata: circa 106 minuti
Jules e Jim sono due amici inseparabili. Il loro rapporto viene trasformato dall’incontro con Catherine, una donna libera, imprevedibile e impossibile da racchiudere nelle convenzioni sentimentali dell’epoca.
Tra i tre nasce una relazione che attraversa gli anni, la guerra, i matrimoni, le separazioni e continui tentativi di trovare un equilibrio.
Truffaut racconta l’amore senza trasformarlo in una favola romantica. I sentimenti cambiano, le persone si avvicinano e si allontanano e la libertà può essere contemporaneamente meravigliosa e dolorosa.
Il film possiede un ritmo sorprendentemente moderno e una leggerezza apparente sotto la quale si nasconde una profonda malinconia.
Perché vederlo: perché è uno dei film più belli mai realizzati sulla complessità dell’amore e sull’impossibilità di stabilire regole universali per i sentimenti.
10. Il raggio verde (1986)
Titolo originale: Le Rayon vert
Regia: Éric Rohmer
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 98 minuti
Delphine si ritrova improvvisamente sola all’inizio delle vacanze estive. L’amica con cui doveva partire cambia programma e lei, incapace di adattarsi davvero alle proposte degli altri, comincia a spostarsi tra Parigi, Cherbourg, le Alpi e Biarritz.
Non succede quasi nulla, almeno in apparenza. Delphine parla, osserva, si sente fuori posto, rifiuta compagnie che non la convincono e cerca qualcosa che nemmeno lei riesce a definire con chiarezza.
Éric Rohmer costruisce uno dei suoi film più delicati e luminosi, tutto basato sull’attesa, sull’inquietudine sentimentale e su quella forma di malinconia che può nascere proprio nei momenti in cui tutti sembrano obbligati a divertirsi.
Il titolo richiama il raro fenomeno ottico del “raggio verde”, visibile talvolta al tramonto. Nel film diventa il simbolo di una possibile rivelazione: un istante capace di dare senso a un periodo di smarrimento.
Perché vederlo: perché è uno dei film più belli mai realizzati sulla solitudine estiva, sul desiderio di amare e sulla difficoltà di trovare il proprio posto tra gli altri.
11. Arrivederci ragazzi (1987)
Titolo originale: Au revoir les enfants
Regia: Louis Malle
Genere: drammatico, storico
Durata: circa 104 minuti
Francia, inverno del 1944. Julien Quentin vive in un collegio cattolico lontano dalla propria famiglia. Un giorno arrivano nella scuola alcuni nuovi studenti e tra questi c’è Jean Bonnet, un ragazzo riservato e misterioso.
Dopo una fase iniziale di diffidenza e competizione, Julien e Jean diventano amici.
Progressivamente Julien scopre il segreto del compagno: Jean è ebreo e il suo vero nome è Jean Kippelstein. Il sacerdote che dirige il collegio lo sta nascondendo insieme ad altri ragazzi per salvarlo dalla persecuzione nazista.
Louis Malle parte da un ricordo autobiografico della propria infanzia e realizza uno dei film più dolorosi e misurati sulla Shoah.
Non ci sono grandi discorsi o scene costruite per forzare la commozione. La tragedia entra nella vita quotidiana dei bambini quasi silenziosamente, fino a un finale la cui forza deriva proprio dalla semplicità.
È anche un film sul senso di colpa e sulla memoria. L’adulto che racconta sembra ancora interrogarsi su un gesto, uno sguardo e un momento che non ha mai dimenticato.
Perché vederlo: perché racconta la persecuzione attraverso lo sguardo dell’infanzia e lo fa con una semplicità capace di rendere il finale quasi impossibile da dimenticare.
12. Delicatessen (1991)
Regia: Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro
Genere: commedia nera, grottesco, fantastico
Durata: circa 99 minuti
In un futuro imprecisato e post-apocalittico, il cibo è diventato rarissimo e il grano viene utilizzato come moneta.
In un condominio fatiscente, un macellaio gestisce una gastronomia al piano terra e affitta una stanza a persone che, misteriosamente, tendono a scomparire.
L’ultimo arrivato è Louison, un ex clown che risponde a un annuncio di lavoro. L’uomo non immagina che gli abitanti del palazzo abbiano progetti molto particolari per lui.
Nel frattempo Julie, la figlia del macellaio, si innamora di Louison e cerca un modo per salvarlo.
Delicatessen è uno dei film più originali del cinema francese degli anni Novanta. Jeunet e Caro costruiscono un universo chiuso, sporco, colorato e completamente assurdo, nel quale l’orrore convive continuamente con la comicità.
Celebre è la sequenza nella quale i rumori prodotti dagli abitanti dell’edificio finiscono per sincronizzarsi in un’unica composizione ritmica.
Dietro il grottesco e l’umorismo nero, il film racconta una piccola comunità dominata dall’egoismo, dalla fame e dalla paura, nella quale l’amore diventa una forma di resistenza.
Perché vederlo: perché è un’esperienza visiva e narrativa difficilmente confondibile con qualsiasi altro film e anticipa molti elementi dello stile che Jean-Pierre Jeunet renderà celebre con Amélie.
13. Tre colori: Film blu (1993)
Titolo originale: Trois couleurs: Bleu
Regia: Krzysztof Kieślowski
Genere: drammatico
Durata: circa 98 minuti
Julie perde il marito, un celebre compositore, e la figlia in un incidente automobilistico.
Sopravvissuta alla tragedia, decide di liberarsi di tutto ciò che la lega alla vita precedente. Vende la casa, distrugge i propri ricordi e si trasferisce da sola in un appartamento di Parigi, cercando una forma di libertà assoluta.
Ma liberarsi dal passato è davvero possibile?
Film blu è il primo capitolo della trilogia dedicata da Krzysztof Kieślowski ai tre ideali della Rivoluzione francese: libertà, uguaglianza e fraternità.
Il film è una coproduzione franco-polacca e rappresenta una delle opere più importanti realizzate in Francia negli anni Novanta.
Juliette Binoche offre un’interpretazione straordinaria, costruita spesso attraverso silenzi, sguardi e piccoli movimenti.
Il blu attraversa continuamente le immagini, mentre la musica diventa quasi un personaggio: irrompe improvvisamente nella vita di Julie ricordandole che il passato non può essere cancellato con un semplice atto di volontà.
Perché vederlo: perché è uno dei più profondi film sul lutto e sulla ricostruzione di sé, sostenuto da una delle migliori interpretazioni di Juliette Binoche.
14. Léon (1994)
Regia: Luc Besson
Genere: thriller, azione, drammatico
Durata: circa 110 minuti
Léon è un sicario professionista che conduce un’esistenza estremamente semplice e solitaria. La sua vita cambia quando Mathilda, una ragazzina di dodici anni, bussa alla sua porta dopo che la propria famiglia è stata assassinata.
Tra i due nasce un rapporto insolito e complesso.
Luc Besson costruisce un thriller che alterna azione, violenza e momenti di grande tenerezza. Jean Reno interpreta Léon come un uomo quasi incapace di vivere al di fuori delle regole elementari della propria professione, mentre una giovanissima Natalie Portman realizza una delle interpretazioni d’esordio più celebri degli ultimi decenni.
Dall’altra parte c’è Gary Oldman, protagonista di una performance volutamente eccessiva e diventata memorabile.
Perché vederlo: perché è uno dei film francesi più conosciuti nel mondo e un thriller capace di costruire personaggi difficili da dimenticare.
15. L’odio (1995)
Titolo originale: La Haine
Regia: Mathieu Kassovitz
Genere: drammatico, sociale
Durata: circa 98 minuti
Vinz, Saïd e Hubert vivono nella periferia parigina. Dopo una notte di scontri tra giovani e polizia, un loro amico si trova in ospedale in gravi condizioni.
Il film segue le ventiquattro ore successive.
Girato in un bianco e nero potentissimo, L’odio racconta la rabbia, l’emarginazione e la violenza delle banlieue senza offrire soluzioni facili.
La frase che attraversa il film è diventata celebre: ciò che conta non è la caduta, ma l’atterraggio.
A distanza di decenni, molti dei problemi raccontati dal film continuano a renderlo sorprendentemente attuale.
Vincent Cassel offre una delle interpretazioni decisive della propria carriera nei panni di Vinz, un giovane che utilizza l’aggressività come protezione contro la paura e la sensazione di non avere un futuro.
Perché vederlo: perché è un film arrabbiato, vivo e ancora attuale, capace di raccontare la tensione sociale senza trasformarla in una semplice lezione morale.
16. Il favoloso mondo di Amélie (2001)
Titolo originale: Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain
Regia: Jean-Pierre Jeunet
Genere: commedia sentimentale
Durata: circa 122 minuti
Amélie Poulain è una giovane cameriera che lavora in un caffè di Montmartre. Vive una vita solitaria e osserva il mondo con una sensibilità tutta particolare.
Quando scopre casualmente una vecchia scatola contenente i ricordi d’infanzia di uno sconosciuto, decide di restituirgliela in segreto. La felicità provocata da quel gesto la convince a trasformarsi in una sorta di invisibile artefice della felicità degli altri.
Il problema è che Amélie riesce ad aiutare tutti tranne se stessa.
Il film di Jean-Pierre Jeunet ha trasformato Audrey Tautou in un’icona internazionale e ha costruito un’immagine di Parigi sospesa tra realtà e favola.
Dietro i colori, l’umorismo e le piccole invenzioni visive, Amélie è anche la storia di una persona che osserva la vita degli altri per paura di partecipare alla propria.
Perché vederlo: perché è uno dei film francesi più amati dal pubblico internazionale e una piccola celebrazione della gentilezza, dell’immaginazione e del coraggio necessario per lasciarsi amare.
17. Quasi amici (2011)
Titolo originale: Intouchables
Regia: Olivier Nakache ed Éric Toledano
Genere: commedia, drammatico
Durata: circa 112 minuti
Philippe è un ricco aristocratico rimasto tetraplegico dopo un incidente. Driss è un giovane della periferia che si presenta a un colloquio per diventare assistente personale senza avere alcuna reale intenzione di ottenere il lavoro.
Contro ogni previsione, Philippe decide di assumerlo.
Da questo incontro nasce un’amicizia tra due uomini apparentemente lontanissimi.
Il grande successo di Quasi amici deriva dalla capacità di affrontare temi delicati senza rinunciare alla comicità. Il film evita di trasformare Philippe esclusivamente nella sua disabilità e costruisce il rapporto tra i protagonisti attraverso provocazioni, scherzi e differenze sociali.
François Cluzet e Omar Sy possiedono una straordinaria sintonia sullo schermo.
Perché vederlo: perché è una delle commedie francesi più popolari del XXI secolo e riesce a emozionare senza rinunciare a far ridere.
18. La vita di Adele (2013)
Titolo originale: La Vie d’Adèle – Chapitres 1 & 2
Regia: Abdellatif Kechiche
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 180 minuti
Adele è una studentessa liceale che sta ancora cercando di comprendere se stessa e i propri desideri.
Un giorno incontra casualmente Emma, una giovane artista dai capelli blu. Quell’incontro modifica completamente la sua vita.
Tra le due nasce una relazione intensa che il film segue attraverso il desiderio, la quotidianità, le differenze culturali, le ambizioni professionali e le progressive fratture del rapporto.
La vita di Adele non racconta soltanto la scoperta dell’amore. È soprattutto un grande racconto di formazione e la storia di una persona che cerca di comprendere quale sia il proprio posto nel mondo.
Adèle Exarchopoulos offre un’interpretazione di eccezionale intensità. La macchina da presa rimane vicinissima al suo volto e registra emozioni, esitazioni e trasformazioni.
Il film vinse la Palma d’oro al Festival di Cannes, assegnata eccezionalmente non soltanto al regista ma anche alle due attrici protagoniste, Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux.
Perché vederlo: perché, al di là delle discussioni e delle controversie che hanno accompagnato il film, rimane uno dei più intensi racconti contemporanei sulla scoperta dell’amore e sul dolore della sua perdita.
19. Ritratto della giovane in fiamme (2019)
Titolo originale: Portrait de la jeune fille en feu
Regia: Céline Sciamma
Genere: drammatico, sentimentale
Durata: circa 122 minuti
Alla fine del Settecento, la pittrice Marianne raggiunge un’isola della Bretagna per realizzare il ritratto di Héloïse, una giovane donna destinata a un matrimonio combinato.
Héloïse, però, non vuole essere ritratta. Marianne deve quindi osservarla durante il giorno e dipingerla di nascosto durante la notte.
Tra le due donne nasce progressivamente una relazione costruita attraverso sguardi, silenzi e piccoli gesti.
Céline Sciamma realizza un film nel quale l’atto di guardare assume un significato centrale. Chi osserva e chi viene osservato? Chi dipinge realmente l’immagine dell’altra persona?
Il film lavora sulla memoria di un amore e sulla possibilità che un’esperienza conclusa possa continuare a vivere attraverso l’arte e il ricordo.
Perché vederlo: perché è uno dei grandi film francesi contemporanei e una delle storie d’amore più intense e visivamente raffinate degli ultimi anni.
20. Anatomia di una caduta (2023)
Titolo originale: Anatomie d’une chute
Regia: Justine Triet
Genere: drammatico, giudiziario, thriller psicologico
Durata: circa 151 minuti
Sandra, una scrittrice tedesca che vive con il marito Samuel e il figlio Daniel in una casa isolata sulle Alpi francesi, si ritrova improvvisamente al centro di un’indagine quando l’uomo viene trovato morto davanti alla loro abitazione.
Samuel è caduto da una finestra oppure qualcuno lo ha spinto?
Quello che inizialmente sembra un mistero giudiziario si trasforma progressivamente in qualcosa di molto più complesso. Sandra viene accusata della morte del marito e, durante il processo, la sua intera vita matrimoniale viene analizzata, esposta e interpretata davanti a giudici, avvocati e pubblico.
Registrazioni private, discussioni, frustrazioni professionali e problemi della coppia diventano prove dalle quali ciascuno cerca di costruire una propria versione della verità.
Justine Triet realizza un film che utilizza il processo non soltanto per cercare di stabilire come sia morto un uomo, ma per interrogarsi sulla possibilità di conoscere veramente una relazione dall’esterno.
Sandra Hüller offre un’interpretazione straordinaria proprio perché rifiuta di rendere il personaggio facilmente decifrabile. Sandra può apparire fredda, vulnerabile, egoista, sincera o manipolatrice a seconda del momento e dello sguardo di chi la osserva.
Al centro del film c’è anche Daniel, il figlio della coppia, costretto a confrontarsi con testimonianze e rivelazioni che modificano progressivamente l’immagine dei propri genitori.
Anatomia di una caduta ha vinto la Palma d’oro al Festival di Cannes nel 2023 ed è diventato uno dei film francesi più riconosciuti internazionalmente degli ultimi anni.
Perché vederlo: perché è molto più di un thriller giudiziario. È un film sulla verità, sul matrimonio e sull’impossibilità di ricostruire completamente ciò che accade tra due persone quando la porta di casa si chiude.
Quali altri film francesi meritano di essere recuperati?
Anche una selezione di diciotto titoli non può raccontare tutta la ricchezza del cinema francese. Restano inevitabilmente fuori interi mondi e alcuni dei più importanti autori della sua storia.
Chi ama il cinema più rigoroso ed essenziale dovrebbe scoprire Robert Bresson attraverso Un condannato a morte è fuggito, Pickpocket e Au hasard Balthazar. Chi vuole proseguire il viaggio nella Nouvelle Vague non può fermarsi a Truffaut e Godard: Cléo dalle 5 alle 7 di Agnès Varda rappresenta un passaggio quasi obbligatorio.
Un capitolo a parte merita il polar francese. Le samouraï e L’armata degli eroi permettono di entrare nel cinema freddo, silenzioso e perfettamente controllato di Jean-Pierre Melville.
Per scoprire il lato più ironico e surreale del cinema francese si può invece partire da Jacques Tati e dal suo Playtime, mentre Gli ombrelli di Cherbourg di Jacques Demy rappresenta uno dei musical più originali mai realizzati in Europa.
Tra i film più recenti meritano almeno una visione Il profeta di Jacques Audiard, I fiumi di porpora di Mathieu Kassovitz e Anatomia di una caduta di Justine Triet.
Il consiglio è non fermarsi all’immagine stereotipata del cinema francese come un universo esclusivamente intellettuale e difficile. Poche cinematografie hanno saputo produrre, nello stesso tempo, tanta sperimentazione e tanto cinema popolare.
Dalla poesia di Jean Vigo alla Nouvelle Vague, dai noir di Jean-Pierre Melville ai drammi sociali delle periferie, dalle commedie di enorme successo internazionale alle opere più radicali e sperimentali, il cinema francese continua a dimostrare che esistono moltissimi modi differenti di raccontare una storia.
Questi diciotto film rappresentano altrettante porte d’ingresso. Una volta attraversate, è difficile non avere voglia di continuare il viaggio.
